METAPINTURA

METAPINTURA

15 NOVIEMBRE 2016 – 19 FEBRERO 2017

MUSEO NACIONAL DEL PRADO

Podríamos explicar el término “metapintura” como el proceso por el cual una obra pictórica hace referencia directa a la técnica pictórica en sí misma, en otras palabras, cuando la pintura habla de la propia pintura. Este término es muy acusado en las artes plásticas a partir del siglo XX y de hecho parece que es imprescindible que el prefijo –meta aparezca en cualquier texto tildado de posmoderno. Es por eso que esta expresión, a priori parece no tener cabida como definición de ninguna obra que albergue el Museo del Prado, y mucho menos emplearlo como título para una exposición suya.

Metapintura es un vocablo pretencioso del que el Museo del Prado se ha apropiado para ofrecer al espectador un nuevo y arriesgado discurso artístico. Pero la pregunta que nos concierne es si estará a la altura o no.

El museo vende una lectura de las obras como reflejo del interés de los artistas por elaborar y plasmar un estudio reflexivo sobre el concepto “arte” y cómo el arte se convierte en una temática artística.

El recorrido se inicia tratando de mostrar unos orígenes religiosos y mitológicos de esta idea. Aunque como es de esperar, este concepto no surge de la nada como si de la explosión del Big Bang se tratase, sino que al ser algo fluido, las obras que se exponen en estas primeras salas parecen no estar presentando una unidad.

No es hasta llegada la sala en que se nos contraponen Las Meninas con El Quijote, cuando la idea de metapintura comienza a cobrar sentido como título de esta exposición. Ese cuadro de cuadros y novela de novelas que no solo se han convertido en los referentes del siglo de oro y del arte español en general, sino que ambas obras coinciden en desarrollar una introspección reflexiva.

Es a partir de aquí cuando la exposición empieza a cobrar sentido y las salas rezan títulos sugerentes que guían al visitante a comprender no solo el significado individual de cada obra, sino también el diálogo que establece esta presentación de las obras totalmente diferente a como normalmente se exhiben en las salas de la colección permanente.

Sin embargo cuando el espectador comienza a entender y disfrutar del concepto que embriaga la exposición, lejos de avanzar hacia el éxtasis que cabe esperar, a medida que se avanza por las salas de la etapa final dicho concepto va poco a poco deshinchándose, devolviendo al visitante el sentimiento preconcebido.

No cabe duda que tras el éxito de la exposición previa dedicada a El Bosco cualquier exhibición ofrecida por el Museo del Prado nos iba a saber a poco, y esta exposición a pesar de ser audaz cumple dichas expectativas.

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ESTAMPA 2016

ESTAMPA 2016

22-25 SEPTIEMBRE 2016

MATADERO MADRID

Tras 24 ediciones queda claro que ESTAMPA es una feria referente en el panorama español, no solo en cuanto a arte contemporáneo se refiere, sino especializada en obra gráfica basada en la técnica de la estampación, como su propio nombre indica.

Podría considerarse que el grabado, en todas sus variantes, la fotografía o el dibujo son las premisas iniciales de esta feria que hasta ahora ha tratado de validar y fomentar su difusión y comercio. Sin embargo ¿es eso lo que propone ESTAMPA este año?

Si bien es cierto que, un año más, se pueden contemplar y adquirir grabados de artistas consolidados como Picasso, Miró, Tapies, Chillida o Lichtenstein, entre otros. Este año la mayoría de las galerías apuestan por un gran número de artistas jóvenes ofreciendo un panorama artístico versátil y rico. No obstante tan solo basta un rápido vistazo general para darse cuenta del sinfín de obras de carácter pictórico, escultórico y de video que pueblan el espacio expositivo eclipsando una vez más las modestas obras de papel.

Si ESTAMPA nace con la intención de impulsar las obras de arte gráfico, celebrando su supremacía, parece paradójica la incursión de obras cuya técnica se aleja del grabado o la impresión. Es por eso que nos asalta la duda de hasta qué punto sería necesario o justo acotar los formatos artísticos que tengan cabida es esta feria, considerando que hace ya mucho tiempo que el arte abolió estas etiquetas en favor de una mayor fluidez y multidisciplinariedad.

Tras visitar esta edición es posible plantearse si ESTAMPA está perdiendo su esencia o si, por el contrario, se está enriqueciendo al romper su estanqueidad. Y lo más importante ¿qué futuro le depara si continúa incorporando cada vez más obras que se alejan del grabado? Pues me temo que dejaría de ser una feria identificada con el arte gráfico, para convertirse en una mera feria de arte, convirtiéndose seguramente en la hermana “pequeña” de ARCO.

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MIRÓ Y EL OBJETO

MIRÓ Y EL OBJETO
10 FEBRERO – 22 MAYO 2016

CAIXAFORUM MADRID

Un hilo cronológico teje la retrospectiva dedicada a Joan Miró tomando como hebra argumental la idea del objeto, cuya materialización es abordada como si de un elemento alienado y alienante se tratase.

La trama de la muestra trata de mostrar un Miró más allá del pintor que museos y galerías de arte contemporáneo acostumbran a presentar. Un Miró liberado del lenguaje caligráfico y coloreado con que tradicionalmente se asocia su obra. Pero ante todo, un Miró desafiante que se arriesga a derribar la propia pintura y que le lleva a vaciar la cotidianeidad de los objetos ahora transformados en una auténtica poética de los objetos.

Por su parte la urdimbre de la exposición acomete con la idea del artista de asesinar la pintura que le llevó a experimentar con las técnicas del collage y los assemblages y que, finalmente, le arrojó a los brazos de la escultura.

El punto de partida son aquellos objetos recuperados del atelier del artista que Miró rescataba en un ejercicio pueril y que coleccionaba para crear su propio museo imaginario tanto para el disfrute personal, como para el empleo como herramienta de trabajo.

Mas la descontextualización de esta serie de objetos y su posterior recontextualización en las vitrinas de la sala de exposiciones ofrece una asimilación ambivalente. Esto se debe a que se ha optado por una estética cuidadamente descuidada que trata de transmitir una apariencia de casualidad, libertad y arbitrariedad. Sin embargo, esta imagen se ve truncada debido al aura aséptica que transmite el cubo blanco que configura la sala de exposiciones, lo cual eclipsa la esencia que estos objetos debían poseer. Es por esto que la percepción final puede tornarse en una forma descuidadamente cuidada.

En definitiva la exposición cumple con las expectativas que invoca el título Miró y el objeto, pero el discurso liberador del que hacen alarde los enunciados de esta exposición deben tomarse con cautela, puesto que una interpretación frívola podría volver encasillar al artista dando a entender que los objetos fueron la obsesión y única fuente de inspiración del artista. No obstante la muestra ofrece un audaz punto de vista que permite acercarse a la vida y obra de Miró desde una perspectiva libre de prejuicios.

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ARCO MADRID 2016

ARCO MADRID

24-28 FEBRERO 2016

Now that ARCO 2016 has finished and its hangover has been overcome it is time to come to a conclusion about this art fair.

Everyone visiting ARCO yearly expects some repetitive content which provide its especial identity. Because ARCO in particular and contemporary art in general, would not be the same without its blinding artworks made by lights and mirrors. And this edition could not offer anything different.

Indeed at the entrance of the first pavilion there was the space of The Lisson Gallery showing a stunning glossy sculpture by Anish Kapoor that could not have been made of any material other than small pieces of mirrors. That magic material that caught the attention of every visitor. So that masterpiece had the responsibility to welcome the visitors and announce that this year ARCO would not disappoint anybody.

I have to admit that it has been a few years since my last visit to ARCO, and my expectations have not only been reached, but overcome too.

It is true that this year was missing a controversial artwork providing bad reputation to the fair, but providing a massive publicity to the event. But this lack has helped each gallery and each piece of art to have its own space in the fair.

In general I found less poetic artwork and more cosmetic ones than in previous editions. And very little of them were related to the topics of sex, religion or politicians, as they used to present, instead there was a more committed message about contemporary refugees.

In addition, the appearance of the artworks has gained colour and visual effects, reminding us of the psychedelic aesthetic of 80’s, which has a connotative meaning: the world economy is growing, so people are happier and brave enough to take risks, especially in the field of art, which means that sooner we will visit a crazy renovation of art full of gaudy pieces.

This artistic renovation was in the artist’s hands, but part of its success was due on gallery owners, who after suffer some darks years in which the art trade was in decline, and have needed to make an effort to select high quality masterpieces and curate a better display of them.

Those are some things that made ARCO 2016 a complete success, but we can not forget some repetitive evidence.

Spanish gallery owners are still afraid to encourage young artist and they prefer to secure sales by offering pieces of art made by the greatest artists of the 20^th century, such as Picasso, Miró or Dalí, and some Spanish contemporary established artists like Tapies, Millares, Saura or Juan Muñoz. Meanwhile European galleries combine artwork by Günter Brüss, Julian Opie, Sol Lewitt or Anthony Caro in dialogue with risky young artists.

But this is ARCO, and this is the reality of contemporary art in Spain.

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